A mímesis corpórea é uma metodologia de criação de ações físicas e vocais desenvolvida pelo Lume Teatro - que busca a poetização e teatralização dos encontros afetivos entre quem observa/atua e corpos/matérias/imagens/palavras. Essa tensão (zona de confluência) que acontece entre uma coisa e outra é algo que atravessa, necessariamente, quem observa, gerando um estado de abertura que se completa em impulso-ação mimética, ou seja, ação no espaço. O curso é uma introdução no universo desse treino do olhar, através de procedimentos que instrumentalizam para a escolha, a observação e posteriormente para a codificação do material, transformando-o em repertório expressivo e poético de trabalho.

Corpo como potência artística e de criação. Não um corpo inserido em um contexto fixo delimitado e nomeado, quer seja teatro, dança ou performance, mas um corpo como fronteira expressiva que expande e perfura essas bordas criando um espaço único, mas, ao mesmo tempo interseccionando todas essas relações teatro/dança/performance. Esse workshop trabalhará, na prática, o corpo dentro dessa fronteira de criação, seja na relação com o espaço, com o outro, com a música, com os objetos, buscando, sempre, a capacidade expressiva corpórea de cada participante.

Quando nos conectamos com nossas singularidades, revelamos a humanidade e a comicidade próprias de cada indivíduo. Por isso o palhaço é pessoal e único. Não é um personagem, mas a dilatação do ridículo de cada um.

E o corpo do palhaço é o veículo de seu olhar aberto e disponível, sua capacidade de brincar e jogar com o mundo ao redor, e criar outras maneiras de relação. Rompendo o que é cristalizado e rígido.

Brincar com o corpo, brincar com o outro que habita o mesmo mundo, jogar com o espaço externo e com os objetos que também contém vida. Descobrir um novo ponto de vista em cada situação e despertar a força transformadora da alegria.
Com uma metodologia desenvolvida por Puccetti ao longo dos últimos 41 anos e enriquecido por sua vasta experiência atuando como palhaço, através de jogos, exercícios e trabalhos corporais, o curso é a experiência da descoberta do "corpo que brinca": novos olhares, andares, novas posturas de estar parado, sentado, como o corpo expressa os sentimentos etc. Qual o ritmo (tempo) pessoal de cada um, e qual a lógica de cada palhaço, ou seja, sua maneira de ação e reação frente ao mundo que o cerca. Qual o universo criativo, enquanto palhaço, de cada um? Os “aprendizes de palhaço” também vão trabalhar a figura do palhaço – sua corporeidade, figurino e maquiagem. No programa do curso constam ainda noções de treinamento técnico do ator.

O que acontece com uma prática quando ela atravessa outro corpo, outra linguagem, outro tempo? Neste laboratório, corpo e voz são pontos de partida para investigar como gestos, técnicas e memórias circulam, transformam-se e ganham novos sentidos em meio a forças políticas, ecológicas, tecnológicas e afetivas.

A partir da metodologia interdisciplinar desenvolvida pelo Cross Pollination, práticas físicas, somáticas e vocais desembocam em processos de criação e dramaturgia. Entrevistas, derivas, escrita e operações com arquivos corporais, textuais, sonoros, visuais e digitais colocam diferentes linguagens em fricção. Nessas passagens, cada participante atua como mediador entre práticas herdadas e seus futuros possíveis, contaminando repertórios, regenerando modos de criação e ampliando sua agência artística no encontro com o coletivo.

Cross Pollination (CP) é uma plataforma internacional na qual artistas e pesquisadores de diferentes áreas das artes performativas se encontram para intercambiar, questionar e desenvolver seus saberes e práticas. Há mais de dez anos, organiza laboratórios nômades dedicados ao diálogo entre disciplinas, articulando pesquisa acadêmica, treinamento, criação e reflexão como dimensões inseparáveis da pesquisa do corpo em teatro e performance. Sua trajetória se inscreve na linhagem do Terceiro Teatro e foi, desde o início, nutrida e apoiada pelo Odin Teatret/Nordisk Teaterlaboratorium. A partir desses encontros, o CP desenvolveu procedimentos próprios que têm como princípios o pensamento em ação, a reflexão ativa e a transformação recíproca entre práticas. Outros membros da plataforma são Marije Nie, Gonzalo Alarcón e Jonas de Rave.

A arte de ator se concentra em dois elementos essenciais: presença e ação. A presença diz respeito a algo íntimo, uma pulsação que transpassa e percorre toda a ação cênica. A ação, como o trilho do trem, é a estrutura por onde a energia do ator se manifesta. O curso traz alguns dos fundamentos do treinamento energético desenvolvido pelo LUME Teatro, proporcionando aos participantes um mergulho no próprio corpo – nas suas sensações, qualidades de energia e fisicalidades. O curso aborda outros importantes elementos no ofício do ator como geração de energia, expansão e retenção de impulsos, precisão, dinâmica das ações físicas no tempo e no espaço, articulações e segmentação corporal, o estado de brincar e o jogo entre atores, bem como a utilização de estímulos externos como imagens, objetos, música e texto, levando à criação de um repertório corporal-vocal próprio.

O curso abordará as pesquisas de Carlos Simioni desenvolvidas no Lume por 41 anos: a presença do ator, emanação de energia, a construção do corpo interior, e a estrutura física da voz. A presença diz respeito a algo íntimo, uma pulsação que transpassa e percorre toda a ação cênica. Neste curso trabalharemos a dilatação do corpo, a expansão da energia no espaço, o campo magnético, a transformação do peso do corpo em energia, a ação energética e a construção da presença cênica como princípios da dança pessoal, elementos técnicos desenvolvidos no LUME durante décadas de pesquisa teatral.

Durante sua trajetória, o LUME bebeu de várias fontes de trabalhos práticos orientais, cujos elementos foram redimensionados e reestruturados para o trabalho que desenvolvemos, passando a compor o treinamento técnico de atrizes e atores. O foco do trabalho será na transmissão desses elementos técnicos híbridos experimentados que acabam por romper a fronteira entre a dança e o teatro, conduzindo as/os participantes a explorarem estados e corporeidades que surgem do encontro físico, imagético e afetivo com distintas forças, partindo da premissa que cada corpo é singular e possui uma dança pessoal a ser investigada. Mergulharemos no corpo como agente central, multifacetado, seja ele corpo concreto, cuja musculatura necessita alongamento, força, segmentação, enraizamento, entre outros elementos, seja ele corpo imagético, capaz de materializar diferentes qualidades de vibração, na busca de uma expressividade pessoal. Um saber que vai dos limites anatômicos e fisiológicos aos processos subjetivos, poéticos, informes e vivos, que vibram com e, para além, da anatomia do corpo.

Dirigido a pessoas que atuam em teatro, performance, dança, circo, cinema, televisão e pessoas interessadas em geral nas artes performáticas. O curso oferece uma visão geral do treinamento cotidiano sistematizado pela equipe de atrizes e atores-pesquisadores do LUME.

Através de metodologias concretas, o curso aborda temas fundamentais do trabalho de atuação: ética (autodisciplina e autonomia); preparação e prontidão (aquecimento do corpo-mente e presença); reconhecimento e dilatação das capacidades expressivas do corpo , aspectos energéticos e técnicos do ofício (transformação do peso em energia, dinâmica das ações no espaço e no tempo, articulações e segmentação corporal, modulação da energia, jogo entre atuadores).

A agenda busca contemplar alguns temas, em certa medida, recorrentes ao debate  contemporâneo da comunidade artística, mas que podem ser problematizados num formato dinâmico de interfaces de reflexão. De fato, esse nos parece o caminho mais eficiente no esforço de construir um campo verdadeiramente potente de atualização do debate sobre as artes da cena e performativas: posicionar tais temas não como eixos de discussão autônomos, mas como núcleos móveis de provocações que se atravessam, se ultrapassam e desdobram a experiência do encontro físico em si.

Nesse sentido, a qualidade de acesso ao encontro torna-se ponto fundamental. Nas primeiras edições, acreditávamos que o recorte de público seria especializado, mais restrito aos profissionais das artes do corpo ou das artes em geral. Hoje, sabemos que o simpósio é a oportunidade de organizar um plano muito mais potente de produção de saberes para além das estratificações pensadas nos planejamentos originais, posto que  os debates movimentam campos de interesse diversos em torno das questões de criação.  Portanto, estendemos nosso encontro não apenas aos docentes e discentes da UNICAMP, instituição sede, e aos pesquisadores em geral; mas, a toda comunidade de criadores e  artistas indistintamente.

Abriremos, ainda, a possibilidade de apresentação de trabalhos (comunicações orais) de pesquisa de mestrandos, doutorandos e pesquisadores brasileiros e estrangeiros, a partir dos temas diretamente vinculados aos dias de debate.